Reseña de Gótico

Reseña de Gótico

por Alonso Sandoval Ávila

Gótico es una extraña combinación entre una historia de terror y una película sobre un evento histórico y fundamental para la literatura de terror.

Este evento es el de verano de 1816 en el que Lord Byron (el poeta inglés mas importante de la época), Percy B. Shelley (un joven poeta inglés también muy famoso en aquellos tiempos), su esposa Mary Shelley (autora de Frankenstein) su hermana Claire Clairmont y John Polidori (biógrafo de Lord Byron y autor de El Vampiro que inspiraría mas tarde a que Bram Stoker a escribir Dracula) se reunieron el la casa de Lord Byron y decidieron escribir sus propias historias de terror, solo Mary y John lo hicieron, Mary hizo nada mas y nada menos que Frankenstein y John hizo El Vampiro, otra historia aunque con menos calidad no menos importante para la literatura de horror.

Cada personaje representa un miedo importante, basandose en sus novelas y la misma historia de terror que decidieron escribir esa noche, por ejemplo Mary tiene miedo sobre su hijo muerto y a la maternidad, que se relaciona con Frankenstein (el creador padre y el hijo monstruo) o John que le tenía miedo al prepotente Lord Byron y lo compara con un vampiro en su historia de El vampiro.

La misma mansión en el que se desarrolla la película es el que fue propio de Lord Byron, en una época.

A partir de esta historia traducida a una película ya es interesante pero por alguna razón el director Ken Russell decidió hacerla terror sabiendo que entonces había pocas posibilidades para la historia.

Ken Russell continuó lo con la película lo cual redujo su calidad considerablemente y lo hizo una película confusa y pretenciosa. Pero esto no significa que sea mala.

La mezcla entre el contexto historico y la ficción es bastante interesante pues usa una historia real y muchos eventos y elementos reales pero es una obra de ficción y esta combinación es muy efectiva. Lamentablemente la mejor parte es la parte histórica, mientras que la ficción (la parte mas creativa) deja mucho que esperar y pudo haber sido mucho mejor aprovechada.

Ademas de la bizarra historia que involucra, los peores miedos vueltos a la realidad por una entidad magnificente, hay otros aspectos de la película que caben remarcar.

Los elementos visuales son también esenciales en cuanto al desarrollo del filme, la cámara usa panorámicas largas y trabajadas, mostrando al castillo para que parezca un lugar fantástico e irreal, los ángulos de las esquinas parecieran ser irregulares, pero esto solo es trabajo de la laboriosa cámara, probablemente haciendo referencia a El Gabinete del Dr. Caligari de 1920 que de la misma manera, tiene escenarios donde sus construcciones tienen ángulos y formas extrañas.

La iluminación apoya a este factor, resaltando algunos colores como el rojo y el verde, ayuda a construir un edificio elegante y a la vez terrorífico.

El escenario es como volver al pasado, usa la misma casa en la que Byron vivió cuando supuestamente se desarrollo la historia en un tiempo histórico, los muebles y la decoración son los elementos que lo hacen funcionar.

Los "sustos" visuales son pobres y no funcionan, pues no basta con un sonido fuerte y una imagen disturbante para hacer al público gritar.

En conclusión, la película esta bien desarrollada, los escenarios y la cámara realmente ayudan a construir la historia, el problema radica en la base de la historia, es confusa y extraña, no hace falta decir que Ken Russell no se dio el tiempo para desenrollar y desarrollar su historia.

Calificación: 7.6/10

Ficha Técnica:

Titulo Original: Gothic

Director: Ken Russell

Año: 1986

País:UK

Reparto: Gabriel Bryne, Julian Sands, Natasha Richardson, Myriam Cyr, Timothy Spar

Reseña de Los Caifanes

Reseña de Los Caifanes
Por Marcos Alberto Bermúdez Torres

Con motivo del aniversario del blog me propuse acabar esta reseña, la cual me ha costado mucho trabajo, espero que sea de su agrado.

A mi entender, Los Caifanes no es una película que deba ser tomada a la ligera. Siendo piedra angular del cine mexicano se adentra en la realidad de la sociedad, hablando más específicamente, de dos sociedades completamente distintas, que sin embargo se encuentran en una sola, y aunque chocan, pueden interactuar y coexistir. Viéndolo de otro modo podría decirce que Los Caifanes retrata todo lo que es este país en cuanto a las clases sociales y todo lo que era esa época, los alocados 60´s. La realización de la película fue un trabajo sumamente intelectual y participaron figuras inigualables, todo bajo la dirección de Juan Ibañez, uno de los mejores directores mexicanos, de hecho reconocido como el mejor de la década de los 60´s. Antes de empezar la critica a fondo me gustaría mencionar también que Los Caifanes forma parte de las cintas que cierran con la importantísima época del cine de oro y dan paso al período de decadencia en la cinematografía nacional. Es así que me comprometo a narrar todo lo que a esta excelente película consierne, tratare de ser breve.

Una pareja de novios clase alta, Paloma y Jaime, después de una reunión aristócrata buscan experimentar cosas nuevas y deciden tener relaciones sexuales en lugares poco ortodoxos. Se meten en un automóvil "abandonado", pero resulta ser la propiedad del Capitán Gato y sus Caifanes: el Estilos, el Mazacote y el Azteca; un grupo de mecánicos que aunque trabajan en Querétaro, van a parrandear el fin de semana a la Ciudad de México. Los Caifanes los llevan a conocer un mundo completamente diferente para ellos: la vida nocturna de la clase pobre mexicana; cabarets, parques, funerarias, fondas, plazas públicas y vecindades son los destinos turísticos de Los caifanes. Jaime se muestra pedante y preocupado, mientras por el contrario, Paloma está maravillada, extasiada, encantada; en tanto que ella jamás había vivido algo parecido. Todo pasa mientras Paloma va cayendo en los encantos del Estilos y de los demás caifanes que saben brindar siempre una curiosa amistad.

Hay varias características que hacen de esta película única, entre las más importantes se encuentran las siguientes:

1.- El reparto. Casi todas la personalidades que en esta cinta aparecen son iconos del medio artístico que nunca veremos juntos otra vez.
Se puede mencionar a Enrique Álvarez Félix, que es nada más y nada menos que el hijo único de María Félix llevando el papel del antagónico.
Julissa, que ha actuado en mas de cien películas y telenovelas, madre de Benny Barra (vamos, el de timbiriche) interpreta a Paloma. Personalmente creo que Julissa no es una super actriz, sin embargo de que tiene talento lo tiene. Luego de esta película se metió en mucha basura de televisa, pero bueno...
Sergio Jiménez, de la misma forma, ha trabajado, dirigido y actuado en un montón de proyectos. Cargado de una personalidad impresionante revive al personaje más difícil, el Capitán Gato.
Ernesto Gómez Cruz y Eduardo López Rojas también son muy buenos. Después de esta película no volvieron a participar en un proyecto importante, aunque se les puede ver en filmes muy seguido con personajes secundarios. Los dos tienen papeles carismáticos y agradables.
Probablemente el personaje más importante lo interpreta Oscar Chávez, lo cual es todo un honor y casi imposible; ya que tienes a un músico de este calibre actuando e interpretando sus propias canciones. También hay que agradecerle por la elaboración de la mayoría del soundtrack, que no sólo es música que sirve para el acompañamiento, sino que a su vez va narrando lo que ocurre; por ejemplo: tenemos una escena en la que Paloma y Javier se topan con algo que jamás habían visto y empieza la canción fuera del mundo, u otra escena en donde se juega con la muerte también se escucha algo referente a esta. La música es por demás ingeniosa e interesante.
Hay que recordar que todos los actores anteriormente mencionados no eran los experimentados que conocemos ahora, recién empezaban en la actuación y no eran como algunos de los de hoy, que ( mediocremente) llegan a ser actores reconocidos sin estudios; todos los que aquí actúan han pasado por una formación académica previa, la mayoría de ellos son egresados del IMBA (Instituto Nacional de Bellas Artes) o de la UNAM. Esto último lo escribo nada más para resaltar el carácter académico de la obra.
Recién es que Los caifanes se han convertido en todo un documento histórico y artístico por contener en su interior a la fallecida figura que representa Carlos Monsiváis, el cual interpreta muy a su manera a Santa Clos, dando un toque absurdo, o como diría el crítico Mijail Bajtin, dando lo "al revés", la dualidad de la vida tan necesaria en la película. Personalmente pienso que la aparición de Monsiváis deja mucho que desear, pero el caso no es especular ahora, el chiste es que hay uns persona reconocida por un amplísimo sector de la sociedad, y eso es mucha ganancia, sobretodo por el apoyo intelectual al proyecto.

2.- Realismo mágico. Dejando atrás a los actores quiero adentrarme en el contenido de la cinta, por lo que haré hincapié en varios aspectos que si no se tocan, el disfrute de la película no sería posible.
Para algunas personas lo que pasa aquí es algo que en la realidad no ocurriría, para otras lo que ven es completamente real y para alguien más no representa absolutamente nada, es por eso que algunas personas la catalogarían como comedia costumbrista, otros como película surrealista y otro sector del público pensaría que es sólo una película de desmadre, pero... ¿Qué es? Lo correcto es definirla como una película perteneciente al realismo magico; por una parte solamente por la persona que escribió el guión, de quien hablaré proximamente, pero por otra por yuxtaponer personajes y lugares exageradamente realistas que los hace parecer fantásticos, y a lado de estas características, toques increibles y sorpresivos.
De la parte realista se puede hablar de que todos los lugares a donde Los Caifanes van sí exísisten, o por lo menos existieron y estos están tal cual son o eran. Por ejemplo el cabaret Geminis o el Zócalo. Estos lugares a su vez tienen elementos que los hacen extraños.
En cuanto a los personajes, este realismo se marca más. La razón es que algunas veces los protagonistas están en el lugar indicado pero con atuendo estrafalario o ridículo. Esto pasa con las cabareteras; su maquillaje es exagerado y puesto de forma ridícula. Otro ejemplo: hay bailarinas que equilibran sobre su cabeza un frasco con agua que contiene un pez vivo de color vistoso. Un ejemplo más ilustrativo: el Santa Clos borracho que bebe deprimido en un fonda a elevadas horas de la noche.

3.- El guión. Carlos Fuentes Macías además de ser uno de los escritores contemporáneos que goza de mayor reconocimiento, es un gran fanático del cine, lo que lo ha llevado a escribir varios libertos y a colaborar repetidas ocasiones con Juan Ibañez.
El guión de Los Caifanes al ser escrito durante el apogeo de la literatura latinoamericana conserva muchos rasgos de susodicha literatura, y como he mencionado más arriba, contiene numerosas referencias al realismo mágico. Su forma es de novela corta y contiene una estructura narrativa importante. Se vale además de recursos interesantes, cómo que los propios personajes sean los que van narrando la historia. Hay que contar el uso de dos tipos de lenguaje: uno sencillo y otro lleno de albures, refranes, y variantes del idioma sacados de la cultura popular. A continuación hablare de frases y tópicos tocados a lo largo de la cinta que considero importantes.
Como película mexicana, Los Caifanes ofrece un tratado de la vida y la muerte. En una escena se ve a los protagonistas jugando con la muerte, burlándose... Esta parte está cargada de metáforas. Algunos diálogos son:
"Cuantas camas de amor eterno" El azteca refiriéndose a los ataudes.
"...todos vamos a jugar un rayo con la huesuda, con la fría, la tiesa, la de la panza llena, la de colores" El capitán gato hablando sobre la muerte.
"de mi soledades voy
de mis soledades vengo,
porque para andar conmigo
solo me falta mi pensamiento
como se pasa la vida
como se viene la muerte callando
¿que se quizo el rey Don Juan?
¿los compadres del peñón
que se quisieron?
¿que fue de tanto caifán?" versos recitados por el Mazacote, el Estilos y el Azteca cuando están jugando en los ataudes.
También hay aspectos culturales y coloquiales dentro del guión dotados de un ingenio y sarcasmo muy bien logrado. El Gato se refiere a sus compañeros como Caifanes, Paloma pregunta a su novio en voz baja qué es eso. -(es un) pachuco- dice Jaime. El Azteca, que ha interceptado la conversación lo corrige: -No, eso es papá grande. Caifán es el que las puede todas... U otra frase refiriéndose al lenguaje coloquial de Los Caifanes: "que divino hablan, hasta parece otra lengua"
Otra parte importante es el sentido de la suerte y el destino:
"puro chance, aquí se encontraron de sopetón el águila y la serpiente, y desde entonces vivimos dejados a la puritita suerte, suerte te de dios y del saber... primero nacer y la segunda parte es la suerte"
Por último quiero citar otro diálogo, el tema ahora es la efemeridad de la vida y el uso del carpe diem, en este momento chocan los diferentes estilos de vida. Aquí me voy extender un poco porque quiero compartir el dialogo integro al ser uno de los mas bellos de la película. Este parlamento es entre Paloma y El estilos:
"-...los palacios secretos, olvidados convertidos en viviendas humildes.
-Por aquí hay muchas de esas.
-Nunca había estado en un lugar así, me gusta.
-No se si le gustaría teniendo que vivir aquí.
-Depende con quien.
-¿De veras?
-Tengo frío.
-El frío que por las noches sientes es por andar desperdiciada.
-¿Que?
-Nada.
-Pensé que serias más aventado.
-Como dijo Pedro infante, eso de las clases sociales, no lo deja a uno aventarse.
-¿Qué es lo que no te atreves a decirme?
(...)
-Siempre pensé que para todo habría modo, pero, con usted, nunca he sido rogón, me lleva. -Ahora estamos solos.
-Ahorita.
-Tú todo lo haces enseguida ¿verdad?
-¿Cuando si no?
-¿Y mañana?
-¿Qué es eso?
-Mañana, mañana.
-Ahorita.
-Mañana
-Ahorita, ahoritita.

4.-Elementos visuales. En una película como esta, que contiene un excelente guión, buenos actores y una muy buena dirección, los efectos visuales no son tan necesarios; aunque es interesante como el director se vale de estos para adornar y dar armonía a lo largo de la cinta.
La fotografía es muy agradable; lo interesante y especial en este caso es que juega y manipula las luces para lograr diversos efectos: luces rojizas, blancos y oscuros, cambios de toma, azules, etc.
Cosas como los vestuarios y el maquillaje están acomodados de manera que producen diferentes emociones al espectador. En ocaciones es un traje de payaso lo vistoso, en otras un disfraz de Santa Clos. El maquillaje es extraordinario; unas veces es lo que caracteriza a las prostitutas del tercer mundo, otras veces hace que identifiquemos a la muerte; y así pasa también con diferentes emociones: la alegría, la tristeza, la soledad, la euforia, lo desconosido y distante.
La escenografía no necesita de sets hechos con cartón; como ya he dicho, uno de los objetivos de la película es mostrar al México como era y es por eso que muestra los escenarios naturales: las calles, el centro, fondas, las vecindades; palacios olvidados convertidos en viviendas humildes...

Conclusión:

Estamos en frente de algo importante, digno de admiración y mucho reconocimiento. Dividir mi análisis en estos cuatro apartados fue necesario para que la descripción de la película no se tornara en algo tedioso, aunque es muy cierto que estoy dejando pasar muchas cosas. Esta cinta es disfrutable para todo público y se puede ver muchas veces, siempre con deleite renovado.
Que una película llegue a la categoría de clásico es muy difícil y tal vez para algunas personas estoy exagerando mi elogio, pero en verdad que la película vale la pena.

Calificación:

9.6/10

Ficha técnica:

Director: Juan Ibañez.
Título original: Los Caifanes.
Año: 1960
Guión: Carlos Fuentes.
País de origen: México
Reparto: Julissa, Enrique Alvarez Félix, Oscar Chávez, Ernesto Gómez Cruz, Eduardo López Rojas y Sergio Jiménez

Hoy hace 115 años

Hoy hace 115 años se realizo la primera proyección comercial de cine, mostrando a todos lo que sería un nuevo arte: el cine, desde ese momento en el que se mostro una cinta de un tren avanzando y todos salieron corriendo de la sala asustados pensando que el tren saldría de la pantalla; hasta hoy el cine ha evolucionado y pasado por muchas etapas, pero hoy hace 110 años fue una noticia importante, debe ser recordada por los amantes del cine.

Reseña de Macario

Reseña de Macario Por Marcos Alberto Bermúdez Torres y Alonso Sandoval Ávila

Esta es una película muy importante para la cultura de mi país México y significativa del mismo modo para la cinematografía mundial.

Macario es una historia que forma parte de la cultura popular y ha sido tocada por varios autores; el principal es Bruno Traven, al cual le debemos el cuento en el que esta basado la película, también hay que reconocer plumas prestigiosas como la de Juan Rulfo, en mi opinión, el escritor más grande que ha dado México. Esta película es dirigida por Roberto Gavaldón e interpretada por Ignacio Lopéz Tarso, los cuales, junto con el memorable Gabriel Figueroa (probablemente el mejor director de fotografía en México, reconocido ampliamente en el extranjero) logran crear una obra maravillosa que, me atrevo a decir, supera en muchos aspectos a el cuento original.

El argumento es el siguiente: Macario es un indígena que vive en condiciones paupérrimas; tiene que mantener a muchos hijos, a una esposa y lo único que come y ha comido toda la vida son frijoles, tortillas y chile.

Un día, harto por la condición en la que se encuentra decide dejar de comer hasta que pueda disfrutar el sólo un guajolote entero. Su esposa roba uno para él y este va a al bosque para comerlo tranquilamente, pero en eso llega el diablo para tentarlo. Macario se niega a aceptar sus condiciones y el diablo se va. Es ahora el turno de Dios el cual únicamente le pide un pedazo. Macario se da cuenta de que Dios no quiere comer, lo que el busca es una muestra de bondad, por lo que se niega a darle. El tercero en llegar es la muerte, sorpresivamente Macarioofrece darle la mitad del alimento, puesto que, como dice más adelante, cuando llega la muerte ya no hay marcha atrás.

En cuanto a la cinta en si tiene diferentes objetivos. Uno, pero no el principal, sería retratar la vida cotidiana de los indígenas en aquella época, su baja calidad de vida y el contraste con la vida de los criollos y probablemente una comparación con la modernidad, la cual se parece bastante en cuanto a la situación indígena.

Otro matiz sería retratar el diverso folklore mexicano en enfoque a sus celebraciones endémicas y cultura popular; sus diversas leyendas y tradiciones combinadas en una sola historia.

Un tercer aspecto sería el elemento literario existente en toda la obra, no hay que olvidar que Macario tiene su origen como una leyenda y mas tarde ha pasado numerosas veces por concienzudas plumas de escritores nacionales y extranjeros. La película esta hecha de tal manera que conserva los cánones propios de dicha literatura y los traslada al lenguaje cinematográfico.

El cuarto aspecto y el que transporta el mensaje, sería el socio-moral. Analiza el comportamiento humano y las reacciones que este tiene ante al menor indicio del poder, como lo usa y abusa, Macario empieza siendo gentil y generoso y termina inseguro y loco.

También contiene una serie de elementos visuales importantes, por ejemplo, la magnifica fotografía, que hasta podría presumir categoría de una de las mejores logradas en el cine mexicano, que inventa y crea en cada toma un estilo propio; claro es que no podemos espera otra cosa del excepcional Gabriel Figueroa. Junto con la fotografía, el escenario hace brillar lo visual de la película; usa elementos naturales logrando una armonía envidiable. Y también tienen un lugar muy importante las actuaciones, en particular Ignacio López Tarso que carga con la responsabilidad de ser el protagónico y domina por completo el personaje, de tal manera que abandona su papel de actor para convertirse en el campesino pobre que solo quería un guajolote para el sólo y termino con tal responsabilidad.

El desarrollo de los personajes se disfruta mucho, en especial Macario, que es un personaje que cambia constantemente, su persona contiene coronaciones y degradaciones: un día no es nadie y al siguiente es un médico reconocido para más tarde ser perseguido; su vida esta llena de peripecias.

Aparte de los humanos hay otros personajes que llevan a la cinta a un nivel mayor, que involucra lo religioso y mágico, así como cada personaje de estos representa algo: la muerte representa a la sabiduría y lo inevitable, dios la la bondad y el diablo la avaricia, de estos tres personajes la muerte es el mas poderoso y tiene una mayor importancia, incluso llega en algunas ocasiones a reemplazar a Macario en su protagonismo. Se compara el poder de la muerte con el de dios, la muerte es el destino, lo final y lo único que prevalece sobre dios, la santa muerte.

En cuanto al resto de los personajes la mayoría son unidimensionales y son propios de una sencillez característica. Se ve claramente que son estereotipos, y personajes comunes de la época incluidos solamente por su necesidad en la narración.

Conclusión

Una película que se ha ganado el título de clásica sin problema alguno y nadie puede ponerlo en duda. El cine de México sin esta cinta quedaría vacío, a cada minuto que pasa se ve el esfuerzo y tiempo puesto en esta película. ¿que hacen leyendo esto? ¡Veanla! Una gran cinta para los mexicanos y para el mundo entero.

Calificación

9.6/10

Ficha Técnica;

Título original: Macario.

Director: Roberto Gavaldón.

Año: 1960

Fotografía: Gabriel Figueroa

Género: Drama.

País de origen: México

Reparto: Ignacio López Tarso, Pina Pellicer, Enrique Lucero, José Galvez, Eduardo Fajardo.

Reseña de Naco es chido

Reseña de Naco es chido
Por Marcos Alberto Bermúdez Torres

Una de las bandas más influyentes en la historia del rock en México estrenan en este año esta ingeniosa producción cinematográfica en la cual en medio de puras jaladas y cosas absurdas hacen una película muy divertida y valiosísima para los fans de Botellita de Jerez. Como todo lo que crea la legendaria banda, el film dirigido por el mismo Sergio Arau rompe con todos los estándares y en medio de la realidad y la fantasía capitalina revive de cierta forma aquella época de los ochentas; las modas, las criticas, las nacadas, la filosofía del guacarock, las guitarras desafinadas y descuadradas, las ocurrencias, el desmadre y sobretodo la música que ilustran nuestra sociedad y ofrece espacios a la juventud.

Naco es chido reune esa espontaneidad característica y ofrece a una botellita renovada pero igual de cagada. La película trata de cómo después de varios años de desaparecida la banda se encuentra un disco perdido y el descubrimiento de este hace que se busque a los separados integrantes de la banda para un arrejunte. Es como si en el film trataran de exponernos la verdadera historia de los botellos.
Entre las personalidades que aparecen en la película están: Carlos Monsiváis, Molotov, Cafe Tacvba, Los de abajo, Manzanero, Loret de mola, Jaime Lopéz, Roco, Laura Ezquivel, Los hermano Bichir, Yucatán A Go Go y un montonal más.

En mi opinión el resultado final es excelente, tanto en la producción como en la edición. Durante la película hay entrevistas, partes actuadas, grabaciones, fotomontajes y animaciones, todo esto logra algo agradable y como ya he mencionado muy pero muy divertido. Otro aspecto que hace que todo funcione son las actuaciones; aunque hay un guión, los actores improvisan y hacen suyo el personaje, además de tener gente real que dan algo de realismo a la mucho locura que hay en la cinta.

Hasta aquí quiero dejar mi critica a la película para que ustedes sepan juzgar más de ella cuando la vean (si es que la ven) pero quiero agregar que se están abriendo espacios para se difunda la película economicamente sin ganancia lucrativa. Ahorita, Botellita de Jerez la proyecta en delegación a delegación. Pasan la peli y luego la banda ofrece un concierto, es entrada libre. Aunque paresca anuncio me da mucho gusto que halla espacios para difundir el arte por el simple hecho de difundirlo y no sacar ganancias, además, claro, como una perfecta oportunidad para los fans de ver a Botellita.

Conclusión: Es una película entretenidísima y graciosísima. Se hizo de forma muy buena, es ingeniosa y tiene todo para ser más que una película palomera. Claro que si no te gusta esta banda la consideraras detestable pero quede más que satisfecho de lo que vi.

Calificación final: 8.8/10

Ficha Técnica:

Titulo original: Naco es chido.
Genero: Comedia, Musical.
Director: Sergio Arau.
Año: 2010.
Pais de origen: México.
Reparto: Sergio Arau el cucurrucucu, Armando Vega Gil el uyuyuy, Paco Barrios el maztuerzo, Yareli Arizmendi, Gina Moret, Juan Valés, Susana San José.

Reseña de Los Siete Samurais

Reseña de Los Siete Samurais

por Alonso Sandoval Ávila y Marcos Alberto Bermúdez Torres

Siendo considerada la mejor película del maestro Kurosawa esta película simplemente no puede ser lo suficientemente adulada por la crítica o el público. Destaca tanto en puntos técnicos como en el guión muy bien detallado y la semiótica del lenguaje cinematográfico (elementos visuales).

La película a pesar de no tener un gran presupuesto parece que sí lo tiene, lo que prueba la gran capacidad de Kurosawa de dirigir y tomar las situaciones que se le interponen a su favor y al final hacer su trabajo lo mejor que puede.

Trata de un pueblo constantemente saqueado por unos bandidos durante la edad media en Japón y estos al estar hartos piden consejo al viejo sabio del pueblo quién les dice que deben encontrar a Samurais muertos de hambre para que puedan cuidar el pueblo y derrotar a los bandidos.

Al encontrarlos dificilmente los Samurai empiezan inmediatamente a hacer planes para cuidar el pueblo y una táctica para derrotar a los bandidos, al mismo tiempo que uno de los Samurai se enamora de una joven del pueblo a quien no dejan salir.

Teniendo una trama tan simple pero tan aprovechable Kurosawa le saca hasta la última gota y toma completamente todas las circunstancias sacando de ello una película completamente diferente a lo esperado usando elementos como el lenguaje cinematográfico y las emociones de los personajes que se transmiten muy bien al espectador, en parte por las magnificas actuaciones claro, pero por otro lado de la capacidad de Kurosawa de meter al actor dentro del personaje por medio de diversas tácticas porque en todas sus películas no he visto a un solo actor que no parezca estar en su personaje, lo cual dice mucho de Kurosawa.

En las películas de este genio hay algo que no debe de pasar desapercibido y es lo artístico de las tomas y los claroscuros (en caso de sus películas en blanco y negro) que logran proporcionarnos una colección de paisajes y panoremicas, cada una con una increíble estética.

Todo el cast hace un grandioso trabajo, realmente parecen que son el personaje que hace que simpatices con ellos e incluso sientas cariño y te identifiques pues cada personaje tiene cualidades únicas y originales, así como cada actor pone un gran esfuerzo en concentrarse en el personaje y representarlo, en fin, ustedes entienden. Cabe mencionar la participación de Toshiro Mefune que es de las actores japoneses más destacados y es de los pocos han tenido un exito mundial.

El guión esta completamente lleno de detalles que aunque no sean necesarios para este, son muy interesantes de analizar, además de que la película no seria simplemente lo mismo sin estos.

Conforme el film se desarrolla el guión se va complicando y más problemas se añaden a la lista de los personajes lo cual hace que el largo clímax de 20 minutos forme tensión de una manera inigualable y mantiene preguntando al espectador que pasara después.

Se podría hablar toda la vida de esta épica película pero nos gustaría concluir diciendo que Kurosawa en este film se aventura a hacer algo que muy pocos pueden o tienen la capacidad de hacer, en medio de paisajes y costumbres orientales crea una parafernalia de filosofía japonesa y un estudio detallado del comportamiento humano para, de esta forma, mostrar una grandiosa ventana al occidente en donde se pueda mirar a través de ella y descubrir la esencia oriental, tanto de la forma de vida cotidiana como de la organización social e insisto, con mucha sabiduria y moralejas.

Además vemos que esto es en forma universal ya que puede ser aplicada a todos los pueblos del mundo.

Ficha Técnica:

Titulo Original: Sichinin no samurai

Año: 1954

País: Japón

Director: Akira Kurosawa

Cast: Toshirō Mifune, Takashi Shimura, Daisuke Kato, Ko Kimura, Minuro Chiaki, Seiji Miyaguchi, Yoshio Inaba y Keiko Tsushima

Reseña de El Bueno, el Malo y el Feo

Reseña de El Bueno, el Malo y el Feo

por Alonso Sandoval Ávila

La suprema película de vaqueros, es épica y una obra maestra, es inteligente, creativa, atmosférica, fuerte, entretenida, en fin lo es todo.

En verdad no hay forma de describir esta película, solo que es una de las mejores películas de la historia en todo aspecto y prácticamente inicio una nueva forma de cine nunca antes vista y creo de alguna manera el cine moderno aunque se desarrolle en el pasado.

La tercera película en la saga de películas de vaqueros de Blondie interpretado por el famoso actor Clint Eastwood es considerada por el público y la crítica como la mejor de la saga, no desilusiona tras toda la admiración que hay, es muy atmosférica y una de las primeras películas modernas, pues ni siquiera parece 1966 parece mucho mas moderna por varios factores como la historia y el escenario, es algo avanzado de su tiempo y creo muchos elementos que quedarían para siempre en cualquier película de vaqueros y ahora parecerán cliché, pero en ese entonces eran algo completamente nuevo y fresco.

No estoy seguro de como expresar el plot sin arruinarlo todo, se desarrolla en la guerra civil de los Estados Unidos en el siglo XIX, dos compañeros de "trabajo"; Tuco (el feo) y Blondie (el bueno), que estafan personas, averiguan que hay un dineral en monedas de oro enterradas en una tumba con un cadáver, justo en el momento en el que se pelean y se quieren matar, pero no pueden hacerlo pues Tuco sabe el nombre del cementerio y Blondie sabe el nombre de la tumba y no planean decirle al otro entonces tienen que trabajar untos para hallar el dinero, mientras, Angel Eyes (el malo) también está consciente del dinero escondido, entonces los tres intentan conseguir el dinero antes que el otro, no estoy mencionando los detalles.

El guión esta muy bien construido, tiene una estructura fuerte y que siempre mantiene el ritmo, funciona muy bien con el público, pero a pesar de todo esto, como el suspenso y los elementos hay un problema mayor y ese es que la historia no es realista, uno no cree que en verdad haya sucedido, primeramente por que es demasiado complicada, si complicas demasiado una historia pierde realismo y mas bien parece una comedia de enredos, otro punto son los eventos que son exagerados, extrañas coincidencias simplemente rompen con los demás esquemas de la película, pero aparte de eso no hay mas problemas.

La historia arrastra al espectador, el suspenso y tensión son espectaculares pero una de las cosas mas memorables de la película y sin estos no sería tan buena son los excelentes personajes, con los que simpatizas aunque no sean buenos.

El personaje principal Blondie es el perfecto anti-heroe, es un maldito en todos los aspectos, pero comparado con los otros dos personajes, es un ángel, Tuco es memorable te hace reir en la película de principio a fin y el malo es detestable toda la película, no le importa a quién tiene que matar, o que tiene que hacer, solo lo hace, también es un personaje bien diseñado, de no ser por estos tres personajes.

Las actuaciones por Clint Eastwood y sus compañeros son excelentes y memorables, en cada aspecto, realmente construyen y representan a sus personajes de la mejor manera posible, los convierten en unos verdaderos personajes reconocibles de principio a fin que recordaras todo acerca de ellos, y esto hubiera sido imposible si no hubieran aparecido estos grandiosos actores, y no solo los protagonistas, hasta los actores que aparecen solo unos minutos en la pantalla se destacan, tengan un personaje bien desarrollado o no, lo que prueba el excelente casting por parte del director.

La fotografía es muy buena, es excelente, pero en contraste con el resto de la película se queda atrás, tiene buenas tomas largas y paneos de objetos muy grandes, pero no destaca (en contraste con el resto de la película, por supuesto, que la fotografía solo es sorprendente).

La iluminación es un gran elemento para la atmósfera de el viejo oeste, la iluminación, normalmente con luz natural en exteriores, es muy brillante lo que hace sentir al espectador como si estuviera en el viejo oeste.

La edición experimenta com nuevas técnicas que son muy usadas ahora, por ejemplo, el cambio y uso de tomas que duran apenas 1 segundo y otras técnicas que ayudaron crear el suspense de la película.

El audio es bueno, pero se destacan los efectos de sonido, como el sonido de las balas o cañones y la edición, la manera en la que los agregaron y si quedaron al acorde de la película.

La Música es no solamente algo de lo mas destacado dentro de la película, sino dentro de la cultura popular también, el tema principal es tan famoso que ha sido parodiado y re usado múltiples veces, en caricaturas, series, películas, etc.

Y no hay duda del porque el tema es la base de todos los posteriores soundtracks de películas de vaqueros y sin duda trataran de copiar tanto en timbre como en ritmo.

El tema principal es tan básico para el suspenso y tensión durante la cinta como el guión, crea una atmósfera desértica y de suspenso y también es muy larga lo que provoca mas tensión.

El escenario desolado y desértico simplemente hace sentir al espectador como si estuviera dentro de la acción de la película, es muy creíble, casi una representación exacta del tiempo en el que se desarrolla la película.

Muchos de los escenarios eran pueblos vaqueros originales, algunos abandonados y restaurados, aunque sorprendente mente no en Estados Unidos, donde se supone toma lugar la historia, también había unos cuantos sets, es impresionante el detalle con el que se recreo la historia, muy minuciosamente, con detalles tan diminutos que ni siquiera el mas ocioso de los analizadadores podrán encontrar.

El vestuario es el segundo elemento que es muy importante no solo para complementar sino para hacer que valga el primero.

El vestuario, no se como describirlo, realmente uno siente que usaron la misma ropa que se uso en ese tiempo, pues es tan realista, tiene todos los detalles y accesorios que te familiarizan con el viejo oeste y es simplemente algo impresionante como reconstruyeron la ropa con los mismos materiales, pareciera incluso.

Los efectos especiales son muy buenos, tomando en cuenta que solo tenían que hacer los efectos especiales de balas y cañones, aún así se lucieron, con efectos memorables, por ejemplo cuando le disparaban a personas, se ve muy real, también otros detalles interesantes como la destrucción de edificios con cañones, en fin.

El maquillaje es de lo mas realista, creo que el ejemplo mas perfecto para decir eso es cuando Blondie se encuentra en medio del desierto y esta deshidratado, esa parte es muy realista, se ver quemado, con la piel curtida, cortadas y muchos otros minúsculos detalles que no puedo mencionar.

Conclusión: Es simplemente la película mas épica del mundo, tiene tanto calidad visual como una fuerte historia que no deja cabos sueltos, la única manera de entenderlo sería viendo la película, pero aviso que dura casi 3 horas, pero valen la pena.

Calificación final: 9.75/10

Ficha Técnica:

Titulo Original: Il buono, il brutto, il cattivo

Año: 1966

País: Italia

Director: Sergio Leone

Cast: Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef

Fórmula Matemática para conocer el grado de terror en una película

Un grupo de expertos del King’s College de Londres realizaron un estudio sobre las películas de terror y los elementos que estas debían tener para dar miedo, y concluyeron que el grado de terror (T) de una película venía dado por la siguiente ecuación:

T=(es+sm+ep+sa)(es+sm+ep+sa)+s+(er+ef)/2+(sp+o+h)/n+sinsv-et

en la que:

T= Grado de Terror sm= Sensación de Misterio sa= Sensación de estar Atrapado er= Elementos Reales sp= Soledad del Protagonista h= Escenografía sv= Sangre y Vísceras

es= Efectos de Sonido ep= Escenas de Persecución s= Sobresaltos ef= Elementos Fantásticos o= Oscuridad n= Número de personas et= Estereotipos

Según esta fórmula, “El Resplandor” fue la película que mayor puntuación obtuvo, junto a “Psicosis” de Alfred Hitchcock y “Tiburón” de Steven Spielberg. Si nos fijamos en la fórmula, vemos por ejemplo que el número de personas está dividiendo (cuantos más personajes hay, menos miedo da), los estereotipos quitan puntos (si ya lo hemos visto antes, no nos asusta), etc. Asímismo, si habéis visto “El Resplandor” y analizáis cada uno de los elementos, comprenderéis por qué fue la que sacó mayor puntuación (persecuciones, aislamiento, mezcla elementos reales con los fantásticos, oscuridad, sangre… todo muy bien repartido).

Fuente:

www.nosolomates.es

Calificaciones Películas estrenadas en Marzo

Fueron pocas las estrenadas, pero he aquí las calificaciones de los usuarios:

Boogie, el Aceitoso: 6.3/10 (6 votos)

Como Entrenar a tu dragón: 7.1/10 (9 votos)

Alicia en el País de las Maravillas: 7.6/10 (20 votos)

Reseña de Rojo amanecer

Reseña de Rojo amanecer
por Marcos Alberto Bermúdez Torres

2 de octubre de 1968, la matanza que cambio por siempre la vida en México. Por su fuerte temática, rojo amanecer fue censurada por mucho tiempo, independientemente de su increíble calidad, siendo esta merecedora de 11 premios, nacionales e internacionales. Es la primera película que se atrevió a narrar los hechos ocurridos durante una de las más crueles y sangrientas represiones por parte del gobierno en México.

La historia gira entorno a una familia de clase media que vive en el edificio Chihuahua. El papá es un funcionario publico, la madre ama de casa, el abuelo ex-militar; tienen dos niños de primaria y dos jóvenes que asisten a la preparatoria y además son parte del movimiento. Sus padres están inconformes con la decisión de sus hijos sobre pertenecer a la movilización y en repetidas ocasiones tratan de persuadirlos de que deserten, pero ellos son fieles a sus ideales. Llega el 2 de octubre y todos se preparan como si fuera cualquier otro día, pero nadie se imaginaria lo que les deparaba el destino...

La trama es muy original y me pareció genial por dos razones: la primera es que esta completamente apegada a los hechos, no hay incongruencias, cosas añadidas, exageraciones o cualquier otra cosa que desprestigie la película; la segunda razón es que en todo el film los personajes no salen del edificio y sin embargo te dan a entender todo lo que esta pasando afuera. Además claro, logrando el propósito de desenmascarar los hechos y lanzar la ácida critica.
El guión es otro logro; está apegado a la forma de hablar de la época y de México particularmente, te mantiene intrigado, siempre a la espectativa de que es lo que va a pasar. El desarrollo de los personajes es excelso, estos mantienen la misma ideología y sentimientos durante todo el film.

Las actuaciones son probablemente lo mejor de la película. En verdad parece que los protagonistas están viviendo el asesinato; sienten el dolor, la tristeza, la incertidumbre, el temor y hacen que tu los sientas también, no se como describirlo, es algo muy impresionante. Por otro lado los antagónicos saben perfectamente como manejar su papel, en verdad los odias.
El casting es digno de mencionar teniendo en cuenta que participan personalidades como Héctor Bonilla, María Rojo, los hermanos Bichir, Eduardo Palomo, entre muchos otros.

Lo visual es lo que le da sentido a la película, ya que nos da a entender qué es lo que pasa afuera, debido a que como ya he mencionado, todo ocurre en el interior. La iluminación es muy importante debido a que todos los sucesos ocurren durante un día entero y un cacho del día siguente, por lo que es necesario dar a entender si es de día, tarde o noche; si afuera están disparando, qué esta ocurriendo con las bengalas, etc.
Lo mismo tiene que pasar con el audio: los sonidos que pasan afuera, la multitud, la voz hablando por el altoparlante, los disparos, etc. En cuanto a los sonidos escogidos el audio es brillante, en cuanto a la calidad, como cualquier película mexicana, es mala.
A mi entender el vestuario a de haber sido complicado; tienen el de los civiles que debe verse sesentero y el de los militares, es padre.
Los efectos especiales son geniales. Entre estos hay sangre, disparos; no lo se, no son muy importantes, pero son cosas que no puedes descuidar.

Conclusión: Una cinta ácida y cruda que se apega a los sucesos tal cual como fueron y no a la versión que en su momento dió el gobierno. Toda la historia en México hubiera cambiado de no pasar lo que paso esa melancólica tarde del dos de octubre; es una cicatriz que aún hoy en día no a cerrado y nos va a seguir doliendo por mucho tiempo. De allí la vital importancia de tener un documento como éste y además de una calidad admirable.

Calificación final: 9.19/10

Ficha Técnica:

Dirección: Jorge Fons
Titulo Original: Rojo Amanecer
Año: 1989
País: México
Género: Drama Político
Reparto: Héctor Bonilla, María Rojo, Jorge Fegan, Ademar Arau, Demian Bichir, Bruno Bichir.

Reseña de Los sustitutos

Reseña de Los sustitutos
por Marcos Alberto Bermúdez Torres

Una cinta de ciencia ficción y acción en donde nos muestran una visión futurista de que podría pasar con la humanidad dentro de unos años. Para algunas personas podría parecerles una ácida critica, para otras solo una película mas con que entretenerse, para otras una autentica jalada.

Trata de que los humanos viven despreocupados y aislados, todo esto debido a que han sido sustituidos por androides que son simplemente perfectos, mientras otro grupo de personas están en contra de dichos sustitutos y son liderados por un profeta. El mundo parece ser mejor porque ya no hay discriminación, delincuencia, violencia, pero todo esto cambia cuando gente va siendo asesinada mientras están en su cuerpo sustituto. Ahora un policía va a tratar de resolver el caso.

La trama al principio te presenta algo muy interesante que al final no lo es tanto, aunque no deja de ser bueno, su calidad se rebaja porque casi al final es pura acción; esto es lo que pasa cuando hay un guión relativamente bueno y un director mas o menos malo.

Pasando a las actuaciones no se puede esperar poco tratándose de Bruce Willis, que ya a su avanzada edad nos puede seguir sorprendiendo. Ahora bien, en el casting para una película de este tipo no importa mucho si escoges a actores que no son tan buenos, cualquier persona puede tener cualquier papel tratándose de robots que no muestran muchas expresiones, excepto el protagónico que si debe de tener ese "no se que" especial.

Lo visual me gusto, entre lo que mas se destaca son los efectos especiales, sobretodo porque no todo se hizo a computadora. La iluminación también es otro logro, cuando esta oscuro se percibe todo y hay tonos medio rojizos, cuando es de día hay tonos medio verdes-amarillentos, es muy agradable.
El maquillaje es un factor muy importante, sobretodo si diferencias a las personas todas perfectas de las que no usan sustitutos y viceversa. En fin, estos detallitos son los que convierten una película aburrida a otra mas disfrutable y entretenida.

Conclusión: Una película de esta temática puede ser facilmente dirigida por otro director y/o actuado por otros actores, y a fin de cuentas el resultado no variaría mucho, lo que trata de mostrarnos no es algo muy profundo; todo lo que se necesita para hacer una película de estas no es cerebro, sino presupuesto. En fin, esta cinta pertenece al grupo de pelis que se amontan en un lugar de la casa y se ven cuando no hay algo mas que hacer o solo para pasar el rato con un plato de palomitas de maíz.

Calificación final: 6.9/10

Ficha técnica:

Titulo original: The surrogates
Director: Jonathan Mostow
Año: 2009
País: USA
Gnero: Acción, Ciencia Ficción
Reparto: Bruce Willis, Radha Mitchell, Rosamund Pike, Boris Kodie, James Francis Ginty, James Cromwell.

Reseña de Metropolis

Reseña de Metropolis

por Alonso Sandoval Ávila

Metropolis es una de las grandes películas de ciencia ficción de la historia y del cine.

La única palabra en la que puedo expresar esta película es brillante, porque lo es, es inteligente, complicada y tiene una fuerte crítica social.

Creo que es original, bien diseñada y algo fuerte para la época.

La obra maestra de Fritz Lang, es la primera película de ciencia ficción, le preparo un gran guión, un gran escenario y unos efectos especiales muy avanzados para la época, sinceramente una de las mejores películas mudas, de ciencia ficción y de la historia del cine.

La historia trata de un futuro avanzado en el 2000 (en ese tiempo tenían otra perspectiva para del futuro para el nuevo milenio) en donde las personas viven en la superficie en un mundo lleno de lujos y comodidades, segundo justo abajo están las máquinas y abajo de eso la ciudad de los obreros, son pobres, olvidados y reprimidos.

El hijo de el rey de Metropolis decide investigar y ve a injusticia del mundo que ha creado su padre, mientras el padre encontró unos papeles que parecen ser mapas.

Un día sigue a los trabajadores hacía una cripta subterránea y ve que tienen una iglesia clandestina dirigida por María.

Mas tarde su socio le muestra un robot que se asemeja a los humanos y que fácilmente reemplazaría a los obreros y para deshacerse de ellos hace un robot muy parecido a María que les dice que destruyan todo, pero esto solo es parte del plan del rey de Metropolis...

El guión es muy original y a partir de aquí salieron todas las historias de ciencia ficción, es muy emocionante y algo inolvidable, pues es inteligente y bien hecho, simplemente... un espectáculo que nunca se olvida.

Los personajes se desarrollan bien y cada uno cumple con rol; el bueno, el malo, la santa, pero no convencionalmente como vemos ahora, algo mas profundo, por ejemplo, el malo no es un ente de pura maldad, también ama a su hijo y lo quiere proteger.

Otra cosa que es interesante es como interpreta a la sociedad con sátira, por ejemplo la forma en la que esta dividida la ciudad, que los millonarios están en la superficie y los obrero bajo tierra, es una clara crítica de la organización y las castas en la sociedad y también toma muchos eventos históricos y los usa para la película.

Las actuaciones ahora pueden parecer exageradas y tontas, pero en esa época tenían otro tipo de actuación, como no había sonido tenía que ser mas facial y comunicarse a través de otros medios que no fueran la voz, así que tal vez ahora no sean buenas, pero en ese entonces eran espectaculares, tomen eso en cuenta si la llegan a ver.

El cast esta lleno de grandes estrellas y nuevos pupilos actores de la época.

La fotografía es excelente para la época y muy arriesgada, pues no tenían nada de efectos para ayudarlos, aunque ahora no parezca mucho, realmente ha de haber sido grandioso en el tiempo.

La iluminación es muy buena, a diferencia de otras películas silenciosas en blanco y negro que difícilmente alcanzas a ver algo, esta tiene una calidad muy buena y esta muy bien.

La edición esta muy bien, como las anteriores alcanzas a percibir los errores pero una vez mas: esta película tiene 83 años desde que salió.

No puedo decir mucho del audio, pero si de la música, con las películas mudas venía un pianista o una orquesta para acompañar a la película y esta muy bien hecha, muchos se quejan de que la música arruino la película, pero gran problema, le quitas el audio y le pones una canción de tu elección, pero según yo es grandiosa y original, aunque un poco repetitiva.

Los efectos especiales son espectaculares para su tiempo, ha de haber sido muy sorprendente ver la película y preguntarse como hicieron eso, en realidad hasta el día de hoy los efectos no son malos, pero si que fueron sorprendentes en su época.

El escenario es sorprendente, muy bien hecho, es muy realista y algo que no olvidas, todos los lugares son excepcionales, algunos pueden parecen muy lujosos, otros muy grises y otros mágicos, es algo muy destacable de la película.

El vestuario es muy bueno, también es diferente con cada casta, los millonarios tienen vestuarios lujosos, los pobres ropa desecha, María ropa parecida a la de un ángel y los obreros ropa gris y siempre igual.

Conclusión: Es la definitiva película de aventura y ciencia ficción, muy atmosférica, con una calidad impresionante y simplemente la primera verdadera película de la historia (con algunas excepciones). Aunque no es para todos, si no te gusta lo silencioso o lo pesado está no es la película para ti, pero si te gustan las películas épicas y revolucionarias, definitivamente vela.

Calificación Final: 9.75/10

Ficha Técnica:

Titulo Original: Metropolis

Año: 1927

País: Alemania

Director: Fritz Lang

Cast: Gustav Frölich, Brigitte Helm, Alfred Abel y Rudolf Klein -Rogge

Reseña de Nosferatu: El Fantasma de la Noche

Reseña de Nosferatu: El Fantasma de la Noche

por Alonso Sandoval Ávila

El remake de una de los clásicos mas grandes del cine no se queda atrás del original y la supera en algunos aspectos.

La historia no cambia mucho y respeta a la original de una forma impresionante, el vampiro tiene el mismo diseño, la historia sigue el mismo patrón y mas notablemente así como la primera se hizo ilegalmente pues no consiguieron los derechos de la novela original de 1897 Dracula de Bram Stoker, este nuevo remake se hizo nuevamente sin los derechos necesarios.

Es una película melancólica y muy apegada a la original tiene una extraña sensación toda la película.

Werner Herzog es un excelente director y crea una cinta que algunos pueden amar y otros detestar.

La historia se apega mucho a la original; Jonathan Harker va a Transilvania al castillo del misterioso conde Dracula ha venderle una casa en Londres, a pesar de las advertencias de los habitantes del lugar el va y se queda con el conde, el conde al ver la foto de su hermosa esposa Lucy y decide ir y hacerla su esposa y una vampira como el, ahora Jonathan debe salvarla, pero esta atrapado en el castillo.

El guión esta muy bien construido, crea tensión y suspenso muy bien, simplemente algo hecho con cuidado y que funciona muy bien, nunca te aburres (al menos yo) y siempre te estas preguntando que sucederá después, es una película que tiene una atmósfera parecida a un sueño, no solo en cuanto a lo visual, sino a historia y funciona muy bien.

Los personajes no están muy bien desarrollados, pero si son realistas, tristes, todos los personajes tienen cualidades tristes y siempre están angustiados, lo que complementa la atmósfera surrealista.

Las actuaciones son explendidas, todos los actores actuaron tan bien, el director los dirigió muy bien y los ayudo a meterese en su personaje, realmente parecen los personajes y sientes empatía por ellos, hasta por Dracula, solo sientes que es un pobre condenado a vivir por siempre alimentándose de sangre lo actuó Klaus Kinski y Lucy también actúa excelente, parece la víctima y la heroína al mismo tiempo lo que me parece fue el mayor logro en esta cinta de la hermosa actriz Isabelle Adjani, quién considero una actriz y una mujer sumamente culta e inteligente.

Solo hay una excepción entre todos estos grandes actores Roland Topor quién interpreto a Reinfield me pareció la peor actuación de la película y el peor Reinfield, simplemente no funciono nada en el, pero sacando lo a el, el resto del cast es perfecto y muy bien elegido.

La fotografía es uno de los elementos mas importantes de está película, se vuelve un personaje en si y es simplemente asombroso, hace que cualquier cosa parezca hermosa, tiene largas panorámicas y tomas fijas que no se olvidan, son como pinturas.

La iluminación es otro aspecto importante el uso de luz en algunas partes y la ausencia de luz en otras partes y ha veces en la misma toma son el claro ejemplo del magnífico manejo de luces en la película y ayuda mucho a la ambientación tétrica.

La edición tiene transiciones lentas y temerosas, algo que ayuda mucho a la ambientación.

El audio es silencioso y atmosférico, solo se escuchan los sonidos sin fondo y lo hace mas ambiental, en cambio cuando aparece la música es excelente y contribuye mucho, sin quitar esa sensación silenciosa y solitaria.

Los efectos especiales son muy efectivos, muy baratos y sin necesidad de mucho dinero, fueron fáciles y efectivos usando principalmente el poder del maquillaje, que es muy bueno, el vampiro se ve muy realista, pálido y las personas infectadas también, un poder que ayudo mucho a la película.

El escenario es algo que no se olvida, es detallado, atmosférico, oscuro, antiguo, parece una obra de teatro, algo muy interesante.

El vestuario es muy bueno también muy realista pues se supone que se desarrolla en 1897 y si parece.

Conclusión: Es una película fuerte, interesante, emocionante y por lo general una obra maestra, si te gusta lo experimental, lo atmosférico y lo experimental, esta es la cinta para ti.

Calificación Final:9.55/10

Ficha Técnica:

Titulo Original: Nosferatu: Phantom der Nacht

Año: 1979

País: Alemania

Director: Werner Herzog

Cast: Isabelle Adjani, Klaus Kinski y Bruno Ganz.